sábado, 22 de diciembre de 2001

Exposición ANTONI CLAVÉ. Madrid



ANTONI CLAVÉ, OBRA GRÁFICA.

La galería Pau d'Arara de Madrid celebra su primer año de existencia con una excepcional exposición de obra gráfica de uno de los artistas icónicos del siglo XX en la innovación de las técnicas del grabado.



El artista que se instaló en Francia, tras la derrota del gobierno republicano y la toma de Barcelona por las fuerzas golpistas, siempre mantuvo su taller en el país vecino.

Aprovechamos sus propias palabras sobre las técnicas de grabado, recogidas de una entrevista que figura en la tesis doctoral de la jiennense Isabel Moreno,  titulada "La Estampa en el arte de Antoni Clavé: litografía y grabado", realizada en 1994:

 «Picasso decía siempre: il fant osez, es decir, hay que atreverse». «A propósito de los gofrados sobre aluminio sonó la flauta por casualidad.Es la verdad, ya que no era lo que pensaba hacer o lo que estaba buscando. El primer asombrado fui yo. Picasso dijo hace muchísimos años: yo no busco nada, encuentro». « Fue muy importante para mí el aguafuerte, que aprendí muy tarde, ya en el año 1965. y más tarde el procedimiento Goetz, también fue de gran importancia para mí; pero no solamente para el grabado, ya que inclusive me sirvió para la pintura, los collages..., que se yo...». «Y si últimamente la producción de obra gráfica no es tan numerosa es porque yo no tengo, ni pienso tener nunca mientras me aguante en pie, ningún asistente. Hoy en día es raro pero, en lo que me concierne, así es». «¿Por qué despreciar? -Lo que cuenta es el resultado. Me parece que si pasara una temporada en un taller de offset, y con un buen operario, me divertiría mucho haciendo pruebas de superposiciones de color, cambios de papel, etc.Todo es cuestión de tiempo y ganas de probar». «No empleo barniz blando ninguno. Hice un solo grabado al barniz blando, hace ya mucho tiempo, en 1967». «Mis grabados al carborundum -y, a veces, sin carborundum pero a base de color- se han alejado mucho, técnicamente hablando, del grabado clásico; demasiado tiempo, demasiado largo para mi manera de trabajar: barniz, ácido, azúcar, agua, resinas, etc. Esperar que se seque la plancha ... volver a empezar». «En 1965, cuando empecé a grabar sobre zinc o sobre cobre, el procedimiento me apasionó, de verdad. Era tan distinto de la lito... En fin, unos años después, mi amigo Henri Goetz me hizo descubrir el grabado al carborundum, en 1968, y desde entonces abandoné los ácidos». «Realicé, hace ya veinte años, una plancha con gofrados sólamente y sin color, sobre papel blanco, ¿por qué no?». «El dinero sirve para no hacer concesiones y poder hacer lo que uno siente, lo que a uno e da la gana. No ha sido siempre así, antes había los encargos , que aunque a uno le fastidiara, tenía que hacerlos para que el puchero familiar hirviese».  «Claro que todo empezó, o casi todo, para el puchero y el pan con tomate: ilustraciones, carteles, litos.. Todo empezó así».

Después de Madrid, la exposición itinerará a la ciudad de Jaén, donde la Sala de Arte Jabalcuz, dirigida por Josiane Phélix, inaugurará la colección de grabados y litografías el 21 de marzo de 2002. Y está prevista, en la misma fecha, la conferencia "Clavé, el poeta del grabado", a cargo de Isabel Montero y Carmen Guerrero, que tendrá lugar en el Museo Provincial de Jaén.

Texto: Francisco Lara Mora.

martes, 6 de noviembre de 2001

Exposición GRAFIC-ARARA. Madrid


GRAFIC-ARARA, EXPOSICIÓN COLECTIVA DE OBRA GRÁFICA


José Rincón,
José Portilla,
Luis Ardevínez,
Francisco Igeño,
Jennifer Graber,
Rafael Amorós,
Susana Murias,
Francisco Lara.

Con esta muestra colectiva de grabado, pretendemos divulgar la tarea creativa de los Artistas invitados en su utilización de los procesos y técnicas que se engloban en las disciplinas calcográficas, al tiempo de mostrar la amplitud y complejidad de los mismos.

Entendemos que en los albores del siglo XXI, el grabado como forma de expresión artística continúa padeciendo un cierto desconocimiento salvo para aquellas personas cuya formación les ha permitido siquiera acercarse a este universo imaginativo que se oculta tras las múltiples posibilidades de composición, calidades y testuras propias y características de la labor grabadora.



Técnicas: Litografía, Xilografía, Aguafuerte, Aguatinta, Punta Seca, Barniz Blando, Aditivas, Mixtas.
La increíbles posibilidades de preparación de las planchas matrices con sus peculiaridades y la riqueza de matices resultantes, suponen sin duda alguna una tentación a la que resulta verdaderamente difícil sustraerse. La obra gráfica alberga una combinación de experimentación, intuición, juego, azar, capaz de sorprender como ningún otro procedimiento artístico incluso al propio Autor, convirtiéndole en el primer observador del resultado obtenido tras retirar el papel a su paso por el tórculo.
Comunicar esa "magia" tan especial, supone un reto en nuestra búsqueda de diálogos entre los Artistas y sus observadores.

Estructura de la muestra.
Cada artista expondrá una obra enmarcada en formato libre, junto con la plancha matriz. El resto de su obra permanecerá expuesta en el soporte adecuado.

Dispondremos en el espacio de un tórculo de estampación, así como los demás elementos necesarios para la realización de "estampas" en vivo durante el transcurso de la exposición. Los propios Artistas, en la medida de su disponibilidad, serán los encargados de la realización de la obra.

Carpeta pau d'arara.
Con motivo de la muestra hemos invitado a los artistas participantes a realizar una matriz en formato miniprint (10 x10 cm) cuya serie fijada a 50 ejemplares de tirada, conformará la carpeta de grabados. Este trabajo permitirá extraer una panorámica completa de la muestra y del momento creativo de cada uno de los Autores participantes, convirtiéndose en nuestra primera edición de Obra.

La muestra GRAFIC'ARARA, dispondrá de una segunda presencia en nuestra Galería de Sitges  (c/ Major, 9), en la próxima primavera.

Texto: Jesús Galparsoro. 

jueves, 21 de junio de 2001

ExposicióN KREA. Madrid


CERÁMICA, MURAL Y OBJETUAL.

Julián Noblejas y Montserrat Mora, componen el tándem Krea. Formados en la Escuela Oficial de Cerámica de Madrid, juntos constituyen el taller de cerámica creativa en 1985, en Madrid, que en 1990 trasladarán a la provincia de Ciudad Real.

Desde su taller en Los Llanos del Caudillo (Ciudad Real) presentan una obra realizada sobre arcilla refractaria, gres y porcelana, cocida a 1.260º (alta temperatura).

El gres está compuesto por una mezcla de barros, minerales y arena o chamota. Cocido a alta temperatura, la densidad y el peso del gres es muy similar al de un mineral (“stoneware”). Se caracteriza por su dureza, resistencia y durabilidad, siendo ideal para utensilios domésticos o piezas para intemperie. Por ese motivo Krea lo elige para realizar sus delirantes juegos de vino, café o té, con decoraciones de engobes en monococción.

La exposición cuenta además de piezas de uso doméstico, con murales, esculturas y piezas de decoración, como varios ejemplares de botijos (rediseño) monumentales, realizados con arcilla refractaria; combinando técnicas de modelado, de alfarería y torno, así como de decoración, frecuentemente con engobes.

El dominio técnico del oficio, la experimentación y el trabajo diario ha proporcionado a Krea una estética propia y singular, plenamente mediterránea, innovadora y contemporánea. Tal vez con referencias al universo Mariscal o al estilo iconográfico de Keith Haring, no de sus motivos sino más bien de influencias compartidas, como los dibujos animados, imágenes sencillas, amables y accesibles por todos.

Al tiempo que Krea desembarca con una amplia muestra de su trabajo actual, es una satisfacción contar con este taller en el fondo permanente de Pau d'Arara, de forma que sus trabajos están representados permanentemente en la galería. 

Texto: Francisco Lara Mora.

sábado, 16 de junio de 2001

Exposición RAFAEL AMORÓS. Sitges


PINTURA, ESCULTURA & OBRA GRÁFICA


Conocí a Rafael Amorós  en 1993, en los Talleres de Obra Gráfica de Pastrana (Guadalajara) con los que, a modo de Cursos de Verano, la Universidad de Alcalá de Henares celebraba el setecientos aniversario de su fundación. Allí coincidimos, formando parte de un grupo cosmopolita,  con Roberto Galvão y Eduardo Eloy (Brasil), Blaise Patrix (Francia), Injaï Braïma (Guinea Bissau), Alejandro Quiroga y Rodrigo Cornejo (Chile);  y los españoles:  Marga Llin, Isabel Moreno, Artemis Rupérez, Susana  Murias, Hilario Ranera, Sotte, Sofía García y Luis Ardevínez. Realizando posteriormente, en Aranjuez (Madrid), la exposición colectiva “Grafica de Aquí y de Allá”, con la incorporación de obra gráfica de Eva Davidova (Bulgaria), Rafael Monagas (España), Philippe Martin (Francia), Marisa Lara (México), Jean Marc Gauthier (Francia), Moisés Finalé (Cuba), Ramiro Arango (Colombia), David Anglés (Bolivia) y Sebastiâo de Paula (Brasil).

Amorós que nació en Albaida (Valencia), en 1964, se inició en la pintura en 1981 con su amigo Francesc Messa, asistió "por libre" a clases de dibujo y pintura en 1985 y 1986, en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos en Valencia y, en el verano de 1987, participó en los talleres de grabado de la Escola Internacional de Gravat de Calella (Barcelona). Ese mismo año residió en la casa-estudio del pintor Antoni Miró para el que realizaría diversas ediciones de grabados. Tras su paso por los talleres de Pastrana,  recibió clases del grabador rumano Pavel Radoulovsqui, en Madrid, y parte de su obra gráfica pasaría a formar parte de la colección de la Biblioteca Nacional (Madrid).

En el año 1997, Rafael Amorós constituyó, junto a Cesc Biosca y Xavier Mollá, el grupo ZONA FRANCA, instrumento para materializar diversas experiencias artísticas. Destacando la exposición en el centro penitenciario de Picassent (Valencia), la exposición en Casal Balaguer del Palau Sollerich (Palma de Mallorca) y, el año pasado, la exposición “L’home, objete de manipulació” en el Centro de Cultura del Ayuntamiento de Alcoy (Alicante).

Desde el 16 de junio hasta el 13 de julio, la galería Pau d’Arara presenta una exposición de la obra más reciente de Amorós, en su sede de la calle Mayor de Sitges (Barcelona), incluyendo pintura, obra gráfica y escultura.

La obra de este artista, profundamente dedicado al dominio técnico de la diversas disciplinas que utiliza en su día a día, es respuesta conceptual de una forma de entender el mundo, al tiempo que genera un sinfín de preguntas sobre nuestra forma de aceptar las condiciones impuestas por una sociedad que adolece de reflexión, mientras se sufre un permanente ataque manipulador.

Sus esculturas son síntesis, propias de un excelente diseñador gráfico, de elementos de la naturaleza, como “Ciprés” o “Nubes de lluvia”, que mediante un estudiado minimalismo plasma, a través de un cuidado trabajo de forja en hierro,  conceptos de una naturaleza bella y depurada. También, mediante la técnica de fundición de bronce, presenta una serie de cuatro esculturas tituladas “Una flor al món” (Una flor en el mundo), acompañada del siguiente poema:

“…, Y
UNA FLOR EN EL MUNDO, y
UN DESPERTAR LLENO DE FUTURO, y
UNA SONRISA DE NUESTROS HIJOS, y
UN CANTO DE ESPERANZA, y
UN SUEÑO HECHO REALIDAD, y
UNA CARICIA DE LA PERSONA AMADA, y
UN DIOS BENEVOLENTE, y
UNA PALABRA TIERNA, y
UN HOMBRE DICHOSO, y
MIL RAZONES PARA VIVIR.”



 Finalizada la exposición, la obra de Rafael Amorós, podrá encontrarse en el fondo permanente de la galería, como sucede con otros de los participantes en los Talleres de Pastrana: José Rincón, Roberto Galvão, Sebastião de Paula, Luis Ardevinez o Susana Murias.

Texto: Francisco Lara Mora.

http://www.amorosweb.com/cat/

viernes, 8 de junio de 2001

Esposición LUÍS ARDEVÍNEZ. Sitges








PINTURA, ESCULTURA & OBRA GRÁFICA


Las obras de Luis Ardevínez están impregnadas de sensaciones de infancia, de los primeros descubrimientos de las calles, en su barrio madrileño, o del mar que descubrió en un primer viaje al Cabo de Gata, en Almería, cuando iba al Colegio del Santo Ángel en el Puente de Vallecas de Madrid.

El reciclaje, una constante en su trabajo, es un asunto personal que nada tiene que ver con el oportunismo de la moda. Conserva recuerdos de una época en los 80 donde, por falta de medios, usaba papeles pintados, muestrarios o puertas, junto a sus compañeros del estudio de la vallecana calle Peña Prieta. Desde entonces, mantiene el mismo espíritu, pero hoy los papeles de "confeti" aparecen en recuerdo de una fiesta de "moros y cristianos", o añoran la fábrica de papeles que quebró hace dos décadas en el Levante, que hoy habita Papeleras Reunidas o los papeles de seda que utilizaban sus primas en la escuela de Corte y Confección...

Los peces (de colores), que en el mar "se veían tan claramente" a diferencia de los de los ríos..., y una experiencia chamánica de comprensión de la "cadena de la vida" marcan una constante estética en su vida, generando poemas de respeto a Mamá Naturaleza (como a Luis le gusta llamarla).

Texto: Francisco Lara Mora.



sábado, 19 de mayo de 2001

Exposición FRANCISCO IGEÑO. Sitges



PINTURA & OBRA GRÁFICA.


Francisco Igeño (Córdoba, 1951), vive en Madrid desde 1963. Ha realizado más de sesenta exposiciones nacionales e internacionales, recibiendo numerosos premios, entre los que destacan: 2º Premio y Trofeo "El Punto de las Artes", Puerto Banús (Marbella), 1º Premio de la Crítica del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid y participando en Ferias de Arte como INTERART (Bélgica), ARTESUR (Granada, España), ARTE/SANTANDER (España), ART-TOULOUSE (Francia), INTERART (Valencia, España).

viernes, 18 de mayo de 2001

Exposición DOMÈNEC CORBELLA. Guadalajara


PAISAJES MEDIATERRÁNEOS


A pesar de que el discurso dominante trata de mostrar fragmentado el mosaico cultural que nos rodea, hombres como Domènec Corbella nos trasmiten sutílmente la certeza de una cultura común -estructurada en torno a la vid, los olivos, los almendros, los campos...- Corbella lo comunica derrochando sensibilidad y armado de sencillez y sinceridad a la hora de sugerir un espacio de síntexis, mediante arquetipos que nos envuelven desde la Grecia clásica, pasando por el Renacimiento europeo y las Vanguardias, de una manera moderna, contemporánea y bella. El compromiso de Domènec Corbella, más allá de reflejar paisajes o fijar para la posteridad naturalezas muertas, le sumerge en un universo donde música, poesía y pintura van de la mano. Este pintor catalán consigue plasmar con coherencia la música del silencio. La armonía y el ritmo de forma y color son logros fundamentales en la obra de este maestro.

Desde luego la contemplación de este universo mítico, cargado de luminosidad, produce una serena emoción. ¿Quizás desvela con sencillez secretos de un mundo de calma, paz y serenidad frente al conflicto, la contaminación acústica y la velocidad de la metrópoli?

Texto: Francisco Lara Mora.



jueves, 10 de mayo de 2001

Exposición FRANCISCA BLÁZQUEZ. Madrid


REFLEXIONES DE LA FORMA Y LA DIMENSIÓN. FRANCISCA BLÁZQUEZ.


Francisca Blázquez presenta su obra pictórica del 10 de mayo al 10 de junio en la nueva galería Pau d'Arara. Francisca Blázquez trabaja en acrílico sobre tela, pero también sobre porexpan, papel, fibra de vidrio, metacrilato u otros materiales. 

Francisca Blázquez se caracteriza por desarrollar una obra geométrica, pero no en el sentido clásico, ni perteneciente a las vanguardia históricas del término. Su concepción es dimensional, es decir, que busca nuevos espacios a partir del planteamiento formal y cromático, pero sin que por ello esté necesariamente interesada en construir o solidificar. 

En realidad, su obra es el resultado de su inspiración del momento, de su visceralidad o de sus diferentes estados de ánimo. La naturaleza, contemplar el sol, meditar en un bosque, en la alta cumbre de una montaña o en mitad de la gran ciudad de Madrid,son actitudes que acompañan a la artista. No trata de cálculos matemáticos, específicamente pensados para para que la obra resulte perfecta, casi sin fisuras, técnicamente equilibrada y directa. Se trata de una obra geométrica en las formas, pero sus ideas son dimensionales. Es más, busca esta dimensionalidad a partir del momento en que introduce cambios y contrastes del color muy profundos. Es decir, confronta colores intensos, directos, precisos, muy detallados y específicamente perfectos. No busca armonía cromática, sino contraste. Pero su contraste es formal, no cromático. Porque el color, es decir, la manera con que lo utiliza en su creación se convierte en forma, en estructura. Por eso, la creadora no precisa, en muchas ocasiones, de construir una estructura inicialmente. Su verdad es la forma de tratar la composición como si fuera un ente distinto de las formas que surgen de sus pinceles o de sus brochas o bien de sus aparatos empleados para tratar imágenes. 

Su obra está formada por múltiples estructuras, ubicadas de forma "especial" en una misma composición, pero sugiriendo diversidad de opciones. Esta compleja diversidad de planteamientos la conduce hacia postulados emblemáticos en el sentido de que configura una creación específicamente llena de movimiento y formas en el espacio. El espacio es fundamental, no está limitado por la tela. Por esta razón, su obra, en muchas ocasiones, está acompañada de una gran diversidad de intervenciones en otros campos de las artes plásticas: escultura, instalaciones, acciones, performances, collages y obra sobre papel. 

Su pintura está muy ligada a los planteamientos esbozados por los minimalistas geométricos. Es decir, a los artistas que fueron capaces de intervenir en el entorno para convertir el mismo en parte de su propia obra. De todas maneras, Francisca Blázquez construye su composición más especial y, en todo caso, toma prestado el espacio de forma circunstancial  y en determinados momentos de su evolución. Es decir, no tiene un único patrón de conducta, y mucho menos una direccionalidad de concepto único. Pero eso sí, posee una creación muy elaborada , compleja, coherente y absolutamente propia.

 Francisca Blázquez reflexiona sobre su creación y la dimensionalidad. El concepto geometría corresponde a la vanguardia histórica. La creación pictórica de Francisca Blázquez está orientada a la dimensionalidad.

Texto: Joan Lluís Montané, crítico de arte.

sábado, 7 de abril de 2001

Exposición KREA. Sitges


KREA CERÁMICA, MURAL Y OBJETUAL.


Julián Noblejas y Montserrat Mora, componen el tándem Krea. Formados en la Escuela Oficial de Cerámica de Madrid, juntos constituyen el taller de cerámica creativa en 1985, en Madrid, que en 1990 trasladarán a la provincia de Ciudad Real.

Desde su taller en Los Llanos del Caudillo (Ciudad Real) presentan una obra realizada sobre arcilla refractaria, gres y porcelana, cocida a 1.260º (alta temperatura).

El gres está compuesto por una mezcla de barros, minerales y arena o chamota. Cocido a alta temperatura, la densidad y el peso del gres es muy similar al de un mineral (“stoneware”). Se caracteriza por su dureza, resistencia y durabilidad, siendo ideal para utensilios domésticos o piezas para intemperie. Por ese motivo Krea lo elige para realizar sus delirantes juegos de vino, café o té, con decoraciones de engobes en monococción.


La exposición cuenta además de piezas de uso doméstico, con murales, esculturas y piezas de decoración, como varios ejemplares de botijos (rediseño) monumentales, realizados con arcilla refractaria; combinando técnicas de modelado, de alfarería y torno, así como de decoración, frecuentemente con engobes.

El dominio técnico del oficio, la experimentación y el trabajo diario ha proporcionado a Krea una estética propia y singular, plenamente mediterránea, innovadora y contemporánea. Tal vez con referencias al universo Mariscal o al estilo iconográfico de Keith Haring, no de sus motivos sino más bien de influencias compartidas, como los dibujos animados, imágenes sencillas, amables y accesibles por todos.

Al tiempo que Krea desembarca con una amplia muestra de su trabajo actual, es una satisfacción contar con este taller en el fondo permanente de Pau d'Arara, de forma que sus trabajos están representados permanentemente en la galería. 

Texto: Francisco Lara Mora.


sábado, 31 de marzo de 2001

Exposición LUÍS ARDEVÍNEZ. Madrid


PINTURA, ESCULTURA & OBRA GRÁFICA


Las obras de Luis Ardevínez están impregnadas de sensaciones de infancia, de los primeros descubrimientos de las calles, en su barrio madrileño, o del mar que descubrió en un primer viaje al Cabo de Gata, en Almería, cuando iba al Colegio del Santo Ángel en el Puente de Vallecas de Madrid.

El reciclaje, una constante en su trabajo, es un asunto personal que nada tiene que ver con el oportunismo de la moda. Conserva recuerdos de una época en los 80 donde, por falta de medios, usaba papeles pintados, muestrarios o puertas, junto a sus compañeros del estudio de la vallecana calle Peña Prieta. Desde entonces, mantiene el mismo espíritu, pero hoy los papeles de "confeti" aparecen en recuerdo de una fiesta de "moros y cristianos", o añoran la fábrica de papeles que quebró hace dos décadas en el Levante, que hoy habita Papeleras Reunidas o los papeles de seda que utilizaban sus primas en la escuela de Corte y Confección...

Los peces (de colores), que en el mar "se veían tan claramente" a diferencia de los de los ríos..., y una experiencia chamánica de comprensión de la "cadena de la vida" marcan una constante estética en su vida, generando poemas de respeto a Mamá Naturaleza (como a Luis le gusta llamarla).

Texto: Francisco Lara Mora.

viernes, 9 de marzo de 2001

Exposición ANA CASAL. Madrid


PINTURA & OBRA GRÁFICA

sábado, 3 de marzo de 2001

Exposición CARMEN MONTORO. Sitges


ESPACIO Y MATERIA, PINTURAS & OBRA GRÁFICA
. Carmen Montoro Cabrera (Jaén, 1964).

El nombre de Carmen Montoro.
Alguien habló acerca d ela importancia de cada nombre, de todo lo que existe. También alguien, otro, dijo que ser capaz de cometer un asesinato y el estilo son asuntos independientes.
Es dificil no estar de acuerdo, pero ...; pero no todo lo que buscamos es nombre y estilo.

El Pantocrátor de Santa María de Taül tiene ese nombre, el que no lo tiene para nosotros es el autor o autores; no por ello tan preciado tesoro nos parece de menos valor. Lo del alma del pintor ya lo arreglamos peor; por no saber quien es, nos vemos forzados a quedarnos con el estilo y en la confianza de la verdad, de lo que cuenta, aunque al creyente le importa poco que al que pintó también lo fuera; no lo conoce.

Otras veces, es el nombre el que tapa la mentira del estilo y del contenido de la obra y, en cualquier caso, a algunos no nos importa el nombre; como alguien le dijo a Fabio, preferimos que aquella persona en la que nos fijamos iguale con la vida y el pensamiento, ya sea para apreciar la belleza de un exquisito delito o el éxtasis de una piadosa criatura. Es más, si hemos de sufrir el degüello, que sea a manos de un buen asesino y no a las de un santo famoso.

Hay quien paga arte por el nombre de la persona que lo creó y hay quien devora sin importarle el nombre, ni el alma, que hay detrás de la obra. El nombre representa el ser, pero es su obra el fruto de su vida y de su pensamiento.

Texto: Isabel Moreno Montoro. Jaén, febrero de 2001.