sábado, 17 de diciembre de 2005

Exposición JOIERÍA ARTÍSTICA DE BCN. Sitges








JOIERIA ARTÍSTICA DE BCN A PAU D`ARARA


La galeria d`arts aplicades Pau d`Arara va inaugurar, dissabte 17 de desembre, la mostra col-lectiva de joies d`autor englobades en el concepte generic de nova joieria i el criteri geogràfic d`haver estat realizades a Barcelona.

Quatre són els artistes joiers que comparteixen disciplina i estètica al voltant de la joia contemporània Mª José Algaba, Cristina Ferreira, Walter Chen i Ana Mª Rodríguez tots ells deixebles de l`Escola Massana que és un centre d`ensenyament reconegut com un dels millors instituts d`arts i oficis i en el que a joieria, especialment, s`ha guanyat un lloc d`honor i prestigi a nivel de fama mundial.

Ens confirma aquest ressò l`efecte crida que la Massana causa a molts artistes estrangers que escullen Barcelona i l`esmentada escola per estudiar i obtenir el diploma enl`especialitat de joieria: Cristina Ferreira, d`origen brasiler, o Walter Chen, vingut des de Taiwan a les aules de Massanaen són un clar exemple.

La proposta de Cristina Ferreira s`inscriu en el terreny del graffiti ja que en les seves joies empra con a leit-motiv les vàlvules o càpsules difusores dels sprays de pintura que s`utilizen correntment en les ratzies ubanes d`aquesta tribu artística considerada molts cops al marge de la llei. Cristina Ferreira ha realizat un treball de camp al costat dels graffiteros del barri de Gràcia i n`ha fet una de particular i original versió en el disseny d`anells, arracades o penjolls. Ella tutula las seves peces sota el títol genèric d`objet trouvé modifié (objet trobat modificat, seguint una tradició plenamente surrealista).

Walter Chen ha denominat el seu taller amb el poètic nom de Mont Blau. Les seves peces remeten a la idea de refugi i també al concepte de receptacle precios on dipositar sentiments agradosos. Realizaes en plata i pedres precioses tallades o sense tallar, las textures del metall d`argent confereixen un caràcter especific a la creació d`aquest jove vingut des d`Orient a Catalunya per conèixer els secret del disseny de la joia contemporània. A més de Pau d`Arara a Sitges va presentar "Enigma" sèrie de la seva creació a Cal `65 joieria del carrer Caputxins, a la reïna ciutat Vilanova i la Geltrú.

Mª José Algaba és dedica a diversos àmbits del disseny, centrantse en la joieria com a llenguatge artístic, ha treballat com a free-lance per algunas empreses de bijuteria. Les seves peces estan conectades amb les esséncies de la Mediterrània i cerca textures irregulars conjugant elements naturals de qualitats precioses. La seva obra ha estat mostrada a la Sala Blava-Massana, al Real Cercle Artístic i en el Museu Espaliu de Córdova entre d`altres espais d`exposició.

Ana Mª Rodríguez tradueix damunt les seves peces foses en plata formes que inspiren frescor i tendresa, amb dissenys plens d`originalitat. Utiliza el color amb saviesa, aoplicant esmalt blau o d`altres materials com són la pell d`ant, seda, vidre integrant-los sota un concepte d`avantguardia.

Aquestes quatre dissenyadors de joias han participat amb el Foment d`Arts Decoratives d eBarcelona, entitat que recull moltes de les propostes que creixen i que anualment premia les millors creacions en el camp innovador i punter del disseny.

Texto: Isidre Roset i Juan (L`ECO DE SITGES/7 de gener del 2006).

viernes, 11 de noviembre de 2005

Exposición MARGA LLIN / JAVIER AYUSO. Pastrana (GU)





MARGA LLIN SENSUALIDAD POÉTICA.

Conocí a Marga Llin a principios de los años 90, curiosamente en Pastrana, en los Talleres de Arte que la Universidad de Alcalá de Henares realizaba en verano. Allí compartimos taller con Roberto Galvâo, Eduardo Eloy, Luis Ardevínez, Sotte, Isabel Moreno, Susana Murias y muchos otros con los que hoy compartimos iniciativas artísticas y culturales. Marga Llin investigaba en multitud de direcciones, soportes, técnicas…, y recuerdo una persona muy agradable, sutil y sensible.


Recientemente reencontré su trabajo en Sitges. Su obra tiene personalidad propia y las figuras que nos presenta son de gesto amable, sutil, sensual y poético. Con precioso equilibrio de colores (planos y transparencias) y texturas. Pura belleza.


JAVIER AYUSO. POÉTICA DEL CONFLICTO.

Las pinturas de Javier Ayuso expresan de forma libre y subjetiva sus estados espirituales. Con una espontaneidad fascinante, pesca sus manchas de colores en el lago sagrado del color.


El resultado de sus obras es absolutamente intuitivo, como creaban los expresionistas abstractos de entreguerras, con multitud de perspectivas y una enorme profundidad, sólo limitadas por algunas geometrías. Diques, ¿con los que él quiere contener o a los que él quiere derribar?

Textos: Francisco Lara Mora.

sábado, 6 de agosto de 2005

Exposición JAVIER AYUSO. Sitges







LA EMOCIÓN PINTADA

La pintura de Javier Ayuso es un acontecimiento emocional.

Este artista ha encontrado en la plástica la forma de vivir su universo interno con un diálogo secreto y patente con los afortunados que le acompañamos en su búsqueda de lenguaje expresivo.

Si nos introducimos en su proceso de creación podemos abrir las puertas que llevan al interior de su obra a la inversa y así poder participar en su camino vital y pictórico:

1ª puerta: La acción.

La catarsis de la emoción en pintura aparece a través de colores cálidos, ardientes, con el contra punto helado de azules casi fosforescentes, que dan a estos cuadros autobiográficos, la tensión de la lucha.

El conflicto emocional para este pintor, que si no tiene batalla no le interesa pintar, se resuelve a través de emociones sutiles o broncas, desabridas o suaves, pero, en fin, es la barrera de la máscara que se produce por homología con el sentido de defensa.

En la creación de espacios en el interior del cuadro se protege, produciendo la inviolabilidad de la intimidad. Le da la sensación de estar a salvo, es el laberinto acogedor, y también, su purgatorio.

Es un conflicto que se acaba resolviendo con la catarsis de la mancha y su propia acción a través del tiempo de secado y reposo durante la noche.

El componente de ilusión y sorpresa se produce a la mañana siguiente con el encuentro amoroso con la pintura que se dejó reposar, a su aire, a su antojo, porque el tiempo, el espacio y la materia tienen su propio baile, su expresión casual y genuina y eso también pinta, en la acción compulsiva y apasionada de este pintor visceral que ama y vive intensa y atormentadamente a través del cuadro.

En el acto de pintar primero plasma las emociones como manchas de color y luego organiza conceptualmente el espacio añadiendo líneas: puertas de entrada y salida en ese espacio vital, cuadrado, como los cuatro elementos de la Tierra, el lugar donde transcurre la vida; con acrílicos densos y transparentes veladuras, que dan la sensación al contemplarlas de respiración y pálpito.

2ª puerta: La pasión.

En el corazón del cuadro late su vida atormentada y lúcida. Su búsqueda empieza desde la infancia y, seriamente se encuentra con la pintura, desde el año 1978.

Su pasión vital está subyugada por la convulsión social, la respiración de la sociedad está en su propio aliento.

Le atrae por su patetismo (el pathos griego: el sufrimiento) el expresionismo abstracto de los artistas vascos. Sus gamas cromáticas en esos años son oscuras...

En su pasión ininterrumpida se le hace difícil el parar de pintar, el límite es la muerte del cuadro, eso le dificulta el momento de acabar la acción encima del lienzo; es como la vida: la muerte al anochecer, el nacimiento al amanecer, y entonces empieza otro cuadro...

Hace poco descubre la lucha titánica dentro de su propio ser y empieza a pintar en rojos salvajes y en formato grande, y en ese transcurso dedica un cuadro a la tragedia vital de una niña-madre, mujer de carne y hueso que llegó a creer soñada en la geografía abrupta y sensual de su obra.

3ª puerta: Su sueño.

En la mitología de su pasión por la pintura, en lugar destacado sobre otros muchos cuadros, ocupan un lugar preeminente “El perro” de Goya, “El jardín de las delicias” de El Bosco y “El grito” de Munch, esta elección no casual sino empática, dan la medida de su ideario en la búsqueda del “por qué” un cuadro, y la otra señal indicadora de su trayecto pictórico lo ofrecen los títulos que identifican sus sentimientos a la hora de actuar: “No hay motivo de alarma”, “Geometría sentimental”, “Las bases del conflicto”, “Narciso en grado sumo” y otros...

En fin, la vida, la pasión por vivir y la catarsis visceral después del inicio conceptual, son los ejes de su lucha pictórica y el resultado es esa convulsión placentera y atormentada que se produce en el espectador a la hora de ver sus cuadros.

Como en la pintura, anochece el encuentro con este pintor creíble y vital
y amanecen sus cuadros...

Texto: Mara Estellés Contreras (Doctora en Bellas Artes).

domingo, 10 de julio de 2005

Exposición ANA THIEL. Sitges (Barcelona)








ESCULTURAS DE VIDRIO.

Desde 1980, Ana Thiel (México, 1958) ha expresado su visión escultórica creando formas artísticas únicas con vidrio fundido. En los últimos años comenzó a explorar nuevas posibilidades formales a través de una serie de piezas ensambladas con objetos encontrados tales como desechos industriales y materiales de construcción, entre otros. Ha combinado estos materiales - metal y alambres oxidados, maderas deslavadas, cordeles añejos, y recientemente libros e instrumentos musicales descartados - con vidrio fundido directamente del horno, o bien vidrio como material igualmente descartado, como lo son los parabrisas rotos. El vidrio ofrece una coherencia visual y física a la totalidad de la obra y a los artefactos abandonados les otorga un nuevo significado y vida.

Su actividad artística incluye la creación de piezas únicas de joyería y de grabados sobre papel en la técnica de colografía. Ha expuesto su obra ampliamente - México, Estados Unidos, Europa, América Central y del Sur, Japón, China, Ucrania y Egipto.

Sus esculturas se encuentran en diversas colecciones en todo el mundo, tales como el Museo Universitario Contemporáneo de Arte en México DF, el Museo de Arte de Querétaro, el Museo del Vidrio en Monterrey, el Museo del Vidrio de la Fundación Centro Nacional del Vidrio en España, el Museo del Vidrio Ebeltoft en Dinamarca, el Museo Nacional del Vidrio de Finlandia, el Museo de Arte Liberec en la República Checa, y el Museo de Arte Moderno de Nueva Orleans, entre otros.

"En enero de 2001 estuve trabajando en las instalaciones de la Universidad Estatal de Ohio en la ciudad de Columbus. El tema que exploré fue el de combinar libros e instrumentos musicales descartados con vidrio fundido, aprovechando la estancia en un centro universitario donde sería más fácil encontrarlos. Fue interesante conocer sus métodos de reciclado y el apoyo que brindan a los artistas, ofreciéndoles materiales en un centro de acopio diseñado con ellos en mente. La universidad tiene una galería llamada "Clean Space" En una esquina puse una instalación que consta de muebles descartados. Los anaqueles tienen en su interior libros quemados, y la cubierta de la mesa está formada por libros. Sobre uno de los anaqueles está "Lectura al Filo", y dos libros combinados con vidrio." (Ana Thiel).                                      

En Pau d'Arara, Ana Thiel muestra una colección de obras realizadas en vidrio colado, moldeado en arena. Trabajado y conformado en caliente, en algunos casos con inclusiones de vidrios prefundidos de color. Contrastando las caras con decoración de grabado al ácido con otras pulidas. En otras, el vidrio forma parte de composiciones  de objetos encontrados (objet trouvé), como libros, elementos metálicos de procedencia industrial o mobiliario de madera.

Texto: Francisco Lara Mora.

http://anathiel.com/

sábado, 9 de julio de 2005

Exposición LIANE KATSUKI. Segovia








ESCULTURA DE LIANE KATSUKI EN LA GALERÍA PAU D'ARARA, 
(15/07/2005).

Estas formas escultóricas de la artista Liane Katsuki poseen unas estructuras orgánicas, vegetales o animales. Se elevan, como menhires conmemorativos, con prestancia y gesto estilizado y simbólico. Muchas de ellas parecen estar hechas para conmemorar algo importante de carácter público y especial, para elevarse por encima de las miserias y contradicciones de las masas humanas.

Quizás sea este carácter gestual solemne el que hace que la obra de Katsuki se traduzca a monumentos públicos, que por lógica no aparecen como esculturas en esta muestra de Pau d'Arara, sino sus pequeños módulos originarios y base de la posterior monumentalidad. Precisamente en la sala vemos diversas fotografías de formas monumentales de Liane Katsuki en plazas y jardines públicos.

Otra forma ovoide. 

Estas formas de inspiración orgánica a veces parecen sujetar o contener otra forma ovoide que recuerda a fecundación, parto y continuidad.

En el haber de la obra de esta escultura, habrá que inscribir la profesionalidad, la pureza en las formas, y el trabajo bien presentado. En el debe… quizás la demasiada pureza (al trabajar los materiales), y la convencionalidad de algunas esculturas, que bordean el encargo comercial, de lo que se debe huir. Aunque bien es cierto que el mundo del encargo oficial gusta de las fórmulas hechas y repetidas. Estaría bien una Liane Katsuki más rebelde e imperfecta, conservando, eso sí, su profesionalidad. (Pau d'Arara, Galería de Artes Aplicadas).

Texto: Antonio Madrigal.

sábado, 2 de julio de 2005

Exposición ALEPH. Sitges








VIDRIO

ESCULTURA
INSTALACIÓN  Y
COLECCIONES

http://www.talleraleph.es/

sábado, 11 de junio de 2005

Exposición RESU GIL. Parador de Segovia







PINTURAS, RESU GIL
, Hinojos (Huelva) 1953.

Cuando la expresión camina por conceptos etéreos se puede llegar a lo inconcreto sobre el realismo de las marismas de Doñana. También se puede expresar la simbiosis entre lo visual y lo soñado a través del color que flota en el soporte de la tela. Pero quizás lo más importante es el trasfondo emocional qeu queda a medio camino entre la figura y el contexto, entre la realidad y la creación personal. Resu Gil acaricia las marismas, los atardeceres, los bosques y las aguas, evita el dramatismo entre lo material y lo etéreo, simplifica el camino y transforma lo evidente en un ejercicio de liberación personal y necesario. 

Seguramente su mundo está más cerca de las formas y colores de sus cuadros que del marco cotidiano de una realidad evidente y compartida. Hay un innegable esfuerzo de convencerse a sí misma de que el mundo es de otra manera, y que esas percepciones de sensibilidad sureña nos son simplemente guiños de colores entremezclados. hay muchas tensiones internas, muchas misteriosas reacciones difícilmente comprensibles. Ese mundo tortuoso y cromático, aflora con la facilidad de un devenir  natural, de reflejos y destellos que ahora son como deberían ser.

Más que un pretexto, la pintura de Resu Gil refleja una necesidad. Pintura sin brusquedades, armónica, elaborada desde la ensoñación y el color. Expresión de un esfuerzo por llevar al lienzo la dificultosa irrealidad creativa. Un camino de luces y sombrasen que los suspiros son más importantes que los trazos y las lágrimas más verdad que cualquier figuración objetiva. En ese proceso de desmaterialización se adivina la generosidad de los anhelos, el protagonismo de la constancia, la pasión por dominar la plasmación de los colores, al explicarse lo inexplicable.

Hay también, una fuerte pretensión de querer volar muy alto, pero con los pies acariciando el agua, el viento, los amarillos intensos de los horizontes de todos los días. Quizás si se liberaran todos los soportes, si todos los colores estuvieran en la más total de las libertades, si todas las formas no fueran la afirmación de nada, sise perdieran todos los miedos a volar a lo más alto, las marismas de Doñana serían el cielo.

Texto: Eliseo de Pablos.

sábado, 4 de junio de 2005

Exposición PABLO QUERT. Sitges






OBRA GRÁFICA.

Pablo Raúl Quert Álvarez, nacido en Guantánamo (Cuba) el 25 de Enero del 1957, graduado de San Alejandro y del Instituto Superior de Arte, ISA, en las especialidades de Pintura, Grabado y Dibujo.

LLEVAR LA ISLA EN LOS OJOS.
Ahora que ya debe estar de regreso, debe llevar en los ojos Pablo Quert más luces de esa Habana que hizo suya hace muchísimos años. Sus ruidos y silencios, la tímida esperanza de su gente y el dolor de una ciudad que envejece cayéndose a pedazos. Como pidiéndole a Pablo Quert que la conserve él en su memoria, en sus ojos, y en la sangre que fluirá hacia sus pinceles.

Pablo Quert carga esa ciudad, la acuna, la lleva en brazos, la ha puesto a viajar en todas las luces de este planeta que tiene problemas más graves que la nostalgia y el desarraigo.

Texto: Ramón Fernández..

https://pabloquert.net/

viernes, 3 de junio de 2005

Exposición CÉSAR DE LAS HERAS. Segovia









CERÁMICAS DE CÉSAR DE LAS HERAS, Segovia 1966.

Especializado en cerámica contemporánea, he recorrido el mundo estudiando modos de cocción de culturas antiguas, desarrollos escultóricos de la antigua Camboya, creación de los guerreros de terracota de Xian, cerámica precolombina… Creador de obras escultóricas de gran formato, de la cerámica Teselica. 

La historia artística de De las Heras se remonta a 1992 cuando monta su primer estudio en Zamarramala “para salir adelante” y gracias a la cerámica ‘tesélica’ alcanzó el prestigio internacional durante quince años. Reconoce De las Heras que “siempre hice escultura y poesía” pero “la transición hacia mi faceta actual fue hacer una serie de obras monumentales como la escultura de Nicomedes García en el Área Industrial de Valverde así como trofeos para premios”.

sábado, 7 de mayo de 2005

Exposición colectiva BRAVO, ETCHEVERRY Y HUERTAS. Segovia


PINTURAS DE BRAVO, ETCHEVERRY Y HUERTAS


Tres pintores nos muestran algunas de sus últimas obras en la galería Pau D'Arara. Se trata de tres artistas que tienen pocos puntos comunes en su manera de enfocar e interpretar la emoción de la creación plástica, si bien en esa disparidad de caracteres se encuentra la enriquecedora comparación por parte del espectador.

La cohesión de la exposición será entonces, y seguramente, la amistad profesional (o la profesionalidad amistosa, que no es lo mismo, pero casi). Las pinturas que vemos esta vez de Raúl Bravo (con títulos sorprendentemente religiosos: "San Jerónimo en el scriptorium", "Visitación"), tienen una composición estructural distinta de lo que he visto en anteriores muestras suyas. Aquí desaparece el agrio expresionismo anterior en buena parte. ¿Es solamente en estos pocos cuadros aquí colgados?. Me da la impresión de que el pintor se encuentra en un cruce de caminos, en un punto acusado de búsqueda. Es normal: los artistas sinceros y de verdad, siempre andan buscando algo, y las rupturas y reinicios muchas veces alumbran estupendos hallazgos, y con pan y vino se anda el camino. Diego Etcheverry por el contrario se encuentra en su línea ya conocida de imaginativo dibujante medio surreal, medio onírico, medio caústico, que a veces denuncia con su fino trazo determinadas alineaciones y abusos de los humanos. Sus "profetas", robots, peces articulados en cientos de piezas, y cubas de vino (que desarrollan la insólita teoría filosófica-matemática de la cuba), se plasman en cuadros que son narraciones de cosas, y a veces dibujos coloreados muy poblados.

Los pequeños cuadros abstractos de Lucía Huertas son divagaciones continuadas de colores meditados y sopesados con cautela. En ellos, la artista combina y completa lo informal con lo constructivo, consiguiendo resultados apagados y jugosos a la vez. Quizás requieran formatos algo más grandes estas divagaciones abstractas, pero a lo mejor es la estructura misma de la sala la que impone el formato. Bien es verdad que el tamaño pequeño es siempre más agradecido y cómodo, pero también creo que en el formato grande el chispazo abstracto se estira más. Es una opinión. Sea como fuere, estas pinturas de Lucía Huertas son gustosas e interesantes.- ( Galería Pau D'Arara).

Texto: Antonio Madrigal (EL ADELANTADO DE SEGOVIA / 25/05/2006).